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- May 16, 13
DOMESTICATED
A new project by Coll.eo
May 15, 2013 - Coll.eo is delighted to present a new work, DOMESTICATED.
The artwork consists of three model kit drones, one Hendryx metallic wire bird cage measuring 13 3/4" x 9" x 4" and marked "Made in U.S.A. Hendryx Reg. Pat. U.S. OFF", one additional model kit drone hanging from the ceiling; fish line, MP3 player, speakers, drone sounds.DOMESTICATED completes Coll.eo's drone trilogy, which includes Remote Play and Achievement Unlocked, both introduced in March 2013."The achievement of the first technology might be said to culminate in human sacrifice: those of the second in the remote controlled aircraft which need no human crew. The results of the first technology are valid once and for all (it deals with irreparable lapse or sacrificial death, which holds good for eternity). The results of the second are wholly provisional (it operates by means of experiments and endless varied test procedures). The origin of the second technology lies at the point where, by an unconscious ruse, human beings first began to distance themselves from nature. It lies, in other words, in play.” (Walter Benjamin, 1936)LINK: DOMESTICATED - May 09, 13
Carlos Scolari (Teaching Coordinator at the University Pompeu Fabra, Barcelona) has edited a new, expanded edition of Homo Videoludens, a compelling anthology of game studies essays. Subtitled De Pacman a la gamification, this massive tome (325+ pages) features contributions from the likes of Henry Lowood, Gonzalo Frasca, Massimo Maietti, Susana Pajares Tosca, and yours truly.
LINK: Carlo Scolari
- Apr 30, 13
YOU ARE DEAD (2013)
A new project by Coll.eo
Coll.eo is a collaboration between Colleen Flaherty and Matteo Bittanti.
Colleen Flaherty is a painter and sculptor currently living and working in San Francisco. Colleen received her M.F.A. in Painting from the San Francisco Art Institute, San Francisco in 2002 and her B.F.A. Cum Laude, with emphasis in Painting and Drawing, Minor in Music from San Jose State University, San Jose, California in 1998. Her work has been presented in New York, Los Angeles, San Francisco, Oakland, Montevideo, and Pienza, Italy.
Matteo Bittanti is an interdisciplinary artist based in San Francisco. His interventions lie at the intersection between videogames, toys, cinema, and the web. His works have been presented in the United States, Canada, England, Ireland, and Italy. Bittanti also teaches in the Visual Studies (VS) and in the Visual & Critical Studies (VCS) programs at California College of the Arts in San Francisco and Oakland.
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- May 17, 13
Image credit: Handmade Studios
"Space Maestro is an interactive Kinect experience that enables players to create their own musical universe through free-form movement in physical space. By spatially moving both hands like a maestro conducting an orchestra, players fuse gas clouds in space into stars. As new stars are born, collide, and die, they trigger musical stingers that compose a unique audio-visual experience"
Created by Jake Jonghwa Kim (a game designer from Korea studying Interactive Media at USC), Jasper Lee and other USC students at USC Interactive Labs. Space Maestro will be on display at USC, Los Angeles between 5/9 to 5/16 2013.
LINK: Space Maestro
Submitted by Matteo Bittanti
- May 18, 13Photo by: Håkon ‘Archmage’ Repstad, Mark Thomas ‘Aumtron’ Ross and Jake ‘Jellica’ Manley (source: Click Festival)
Swedish 8-bit master-of-disaster Goto80 is about to unleash his book Computer Rooms to unsuspecting legions of geeks. Expect "A photo collection of private computer rooms, often featuring older machines. A rarely documented aspect of digital network culture. An homage to the material computer world. Reality, not archeology." (Click Festival). Computer Rooms will be released in a few weeks. Let's face it, happiness is juicy hardcover. Look at the above image with all its phallic symbolism (Palace's Barbarian II poster is quintessentially '80s), the vintage feeling, the retromaniac aesthetics, the trashy thropy, the cassette tape, the floppy disk, the boxy CRT monitor... Oh, boy. Goto80's project reminds me of Polish artist Bownik's fascinating ethnographic series Training Halls (2007/2009) - which we covered before:
"Each of the photographs of a room interior shows two realities overlaying in a single image. The rooms fulfill the role of a training site for everyday gaming practice, as well as a normal bedroom, where details and objects betray the history of growing up in this place" (Bownik)
LINK: Goto80
Submitted by Matteo Bittanti (via Click Festival)
- May 15, 13
Marc Owen's Avatar Machine - first mentioned on GameScenes five years ago - "replicates the aesthetics and visuals of third person gaming, allowing the user to view themselves as a virtual character in real space via a head mounted interface. The system potentially allows for a diminished sense of social responsibility, and could lead the user to demonstrate behaviors normally reserved for the gaming environment." This video was produced for Talk to Me @ MoMA which took place in 2011.
LINK: Marc Owens's Avatar Machine
Submitted by Matteo Bittanti
- May 12, 13Phil Solomon; Empire, 2008-2012. HD video, 48 minutesPhil Solomon: Before and After the Falls@ Young Projects, Los Angeles (Part of Design Lab at the Pacific Design Center) Opening Thursday May 16th 6pm to 9pm Through August 2, 2013"Known as one of the key filmmakers of the American avant-garde, Phil Solomon is known for creating extraordinarily beautiful, deeply affecting film works that are often composed out of popular, abandoned or lost pieces of celluloid. In many cases, these works employ an optical printing process to further degrade, burn and amplify certain figurative elements, almost to the point of pure abstraction. And indeed, one could easily view each of Mr Solomon's films as great painterly efforts with pronounced sensual and dimensional qualities. Yet no matter what format he works in — including his recent foray into the most quotidian moments of Grand Theft Auto and other video games (many of which are included in the exhibition) — his work still manages to convey an almost overwhelming emotional effect, often via the careful orchestration of narrative elements. As critic Manohla Dargis writes, “The wow factor of Mr. Solomon's finest films can be as difficult to convey as the deep feeling they instill in the viewer. One of the pleasures of this sort of work is how it can loosen the grip that narrative traditionally has on the medium, inspiring different ways of seeing and feeling.”" (Young Projects)LINK: Phil SolomonLINK: Young Projects
Submitted by Matteo Bittanti - May 12, 13
If you read Italian, here's a book for you:
An edited collection of essays on machinima featuring a variety of contributions on topics ranging from art to performance, appropriation and subversions. This is part of the ongoing Ludologica books series.
Ttitle: Machinima! Teorie. Pratiche. Dialoghi.
Edited by: Matteo Bittanti & Henry Lowood.
Publisher: Edizioni Unicopli
Book Series: Ludologica. Game Theory
Volume: 21
Pages: 288
Release Date: April 18 2013
Price: 19 Euro
Language: Italian
Contributors: Matteo Bittanti, Matteo Bonvicino, Alessandro Cavaleri, Marque Cornblatt, Frank R. Dellario, Joshua Diltz, Jun Faklenstein, Douglas Gayeton, Friedrich Kirschner, Kate Fosk, Kari Kraus, Mathias Jansson, Robert Jones, Clint Hackleman, Hugh Hancock, Tracy Harwood, Paul Marino, Mizuko Ito, Henry Lowood, Mark Methenitis, Michael Nitsche, Paolo Pedercini, Ilaria Ravarino, Dan O'Reilly Rowe, Valerio Sillari, and Eddo Stern.
Related articles:
Chris Marker e il machinima (08/08/2012, Italian)
Il machinima tra evoluzione e rivoluzione (07/12/2012, Italian)
La Game Art di Eddo Stern (11/27/2012, Italian)
- May 12, 13
Roger Machado deconstructs vintage Atari games. Above: 1N=V4S10N. Below: Else_3rr0r. Both projects were released in 2012.
LINK: Roger Machado
Submitted by Matteo Bittanti
- May 12, 13
GameScenes is conducting a series of interviews with artists, critics, curators, and gallery owners operating in the field of Game Art, as part of an ongoing investigation of the social history of this fascinating artworld. Our goal is to illustrate the genesis and evolution of a phenomenon that changed the way game-based art is being created, experienced, and discussed today. The interview between David Blandy and Matteo Bittanti took place via email in April of 2013.
Born in 1976, David Blandy is an artist based in Brighton and London who uses video, performance, digital technology, animation and comics to investigate the popular culture that surrounds us. Brought up on a diet of kung fu films and Manga, Blandy is fascinated by how our identities are shaped by everyday art forms such as television and computer games. Simultaneously humorous and philosophical, ironic and profound, his work analyses the games we play and the films we watch. Blandy studied Scultpure at the Slade School of Fine Art and Fine Art media at the Chelsea College of Art in London. as exhibited widely, including shows at The Baltic, Gateshead; the Liverpool Biennial; Turner Contemporary, Margate; Spike Island, Bristol; and Platform China Project Space, Beijing. His work is distributed by LUX, and he is represented by Seventeen Gallery in London.
Installation view of the exhibition at Exeter Phoenix (Image credit: David Blandy)GameScenes: David, in your work, the appropriation and reinvention of popular culture produces a performative masquerade. Manga, hip hop, and videogames are subsumed to construct alternative identities and personae, but also to create spatio-temporal disjunctures. I am specifically interested in your ongoing dialogue with digital games and arcades in particular. For the show Odyssey organized by Exeter Phoenix in 2011, you built an entire gaming arcade in a gallery. Are you stuck in time-loop, where nostalgia becomes a form of chronological currency? Or are you creating an alternative past, where David Blandy’s fantasies, e.g. the alter egos that inhabit your previous work (Barefoot Lone Pilgrim, the White and Black Minstrel, Child of the Atom and David Blandy himself), establish a parallel reality, like those that exist in fiction?
David Blandy: Just a small pedantic note- the show was "Odysseys" at Phoenix Gallery, Brighton, presented by Lighthouse Arts. The Exeter show was at a Phoenix too, but they have no relationship to one another, bizarrely.
I guess I was interested in several facets of the phenomenon of gaming in that show. My first intention was to camouflage the works I'd made, to put them in the context of games if a similar era so that it would take a few moments to realise which games were "found" and which were unique. And then I'm interested in identity and memory, how much we construct our ideas of ourselves from the things that we relate to in everyday life, in popular culture. Do I choose Ryu because I recognize myself in him, or because I want to be like him. Is an avatar a mirror or an idol? And I'm interested in cultural memory and the recycling of culture. I fell in love with Street Fighter II at an arcade in 1992, but the most popular fighting game right now is Street fighter IV, essentially the same game. You see it in films, children's TV, fast food- all the brands keep recycling themselves.
And then there was the opportunity to turn an art space into an arcade as an assault on the senses, like a cross between Nam June Paik and the arcades that I used to frequent, but instead of some of the games you can watch my videos or play my games which try to make the search for self, for meaning, just a bit more evident than in the games themselves, trying to show people who'd never attempt to experience games in that way what it is possible to experience through them, the possibilities for self-transformation, for existential contemplation. Duels and Dualities: Battle of the Soul is a work that functions in a way as purely an idea, the fragmented self, battling its various factions, but I think it only really makes sense when it is played. You feel the inadequacy of David Blandy, his impotence, with just a light and heavy punch to call upon, trying to play as cunningly as you can, and still losing. And the terrible power of Child of the Atom, utterly broken in fighting game terms, but with that power comes an emptiness, the pointlessness of playing the game when odds are so stacked in your favour. Power over others is a curse, far too easy to abuse.
Installation view of the exhibition at Exeter Phoenix (Image credit: David Blandy)GameScenes: Customizing cabinets and decorating coin-op machines is, in a sense, the ultimate form of appropriation art. At the same time, this practice belongs to the vernacular, rather than the artworld. By legitimizing fandom practices you are effectively changing the rules of the game and engaging in the conversation with difference audiences at once: the gamer and the art conneisseur, which hardly/rarely overlap. How was the show received? Who walked into the gallery, and why, exactly?
David Blandy: I am always drawn to forms of creativity outside conventional fine art, whether that's hip-hop, car customization, fighting game prowess or arcade stick customization. Where does fandom stop and art begin? When I organise fighting game tournaments in galleries, I'm interested in how much this intense highly ritualized activity can be seen as a form of performance art, everyone playing their roles. I see the art in the everyday, and just try to frame it by placing it in a gallery context. I'm always trying to test the line of the point where something stops being art. But of course these things can be appreciated without those layers of meaning- people came to the show just to play Alpha 2, and I'm glad of that. The guys who loaned me the extra arcade cabinets, who've now set up Heart of Gaming in London, really appreciated the customization, even though it was totally antethical to what their aim generally is, which is to restore cabinets to their factory fresh condition. The documentation of the show has lead to some quizzical responses, like, "What's that game, I don't recognize that at all", which I guess shows its sort of working.
David Blandy, Son of the Atom, 2010
GameScenes: For the Duels and Dualities arcades, you worked with Stuart Witter, who remixed a Naomi 50 board. Could you explain the dynamics of this collaboration? Are you planning more game-based hacking/modding in the future?
David Blandy: Yes, Stuart helped me with the exterior stuff really, the spray-painting and general restoration, as well as some of the vinyl images. The game itself was programmed on an old PC, using Mugen, effectively a graphical reskinning, using character models that were close to what I was looking for and then manipulating every frame of animation in photoshop to create the new character. The opening sequence was devised as a homage to Street Fighter Alpha 2's intro, but telling the story of David Blandy creating all these characters from his studio, a remix of a comic of an earlier video I did called Origins: Enter the Barefoot Lone Pilgrim. I'd love to do a Street Fighter IV type rehash, with 3D models, crazy ultra moves, beautifully rendered backdrops... Maybe soon. I've also done a couple of rhythm-action games, based on Guitar Hero. One was for Swansea, so I asked an arty heavy rock band to set a Dylan Thomas poem to music, with a fiendish guitar part. They delivered, and then I annotated that for Guitar Hero, and you play as Dylan Thomas against the Swansea Devil (a local legend) at the Gates of Hell. One guy racked up a 98.8% completion on Expert. Satanic skillz.GameScenes: Recontextualizing arcades spaces into a gallery also represents a peculiar - and terribly intriguing - form of digital preservation, especially because arcades have all but vanished from the urban environment. Some, like Jon Rafman, are using the medium of machinima to pay homage to arcade subcultures ("Code of Honor", 2011). You are literally transforming a contemporary art space into a playground... By highlighting the cultural relevance of arcades, you are also pointing the finger at their disappearance. Is this intentional?
David Blandy: There is definitely an element of homage. I think there is a recognition in the Fighting Game Community that a lot has been lost in the death of arcades, these social spaces to meet like-minded individuals, share experiences, form rivalries. But there's a larger question of what are our common spaces now, where can we meet without a commodified agenda? A gallery should be a meeting place, a place to come together, share ideas, discuss, think. Like an arcade. Traditional arcades may be dying, almost dead, but the people who play the games are still here, still wanting to meet and compete. The games might be based on old formulas, but the community keeps evolving.GameScenes: Playing a beat’em up like Street Fighter requires super-human skills: coordination, an in-depth knowledge of all the different moves and tricks. What does it mean, to you, to play Street Fighter, in an arcade and in art gallery? Is the act of embracing the role of a Capcom fighter akin to play the role of the artist? After all, they are both performances based on a different sets of conventions, rules, and outcomes. How do you reconcile these two avatars, the Player and the Artist?David Blandy: The fundamentals of good fighting game play are mental. Technique is important, obviously, but if you can predict and counter everything the opponent will do, you will win every time. And I suppose my attitude to art making is the same- concept trumps technique. And the only difference between playing as playing and playing as performance is conceptual, the mental frame that you put around that act. The trick is to help other people see that frame, to recognize the artistic content in what is going on in front of them. But I like to show, not tell, so maybe I err on the side of being too subtle when asserting my belief in the artistic value in games playing, in the beauty of the communal space of the arcade. But in my own head, every time I play a game seriously is a performance, an assumption of a role, of artist as Street Fighter. As Dudley, mostly. See arching for the perfect fight, like Ryu.
David Blandy, Ruined Temple, 2013 (image credit: David Blandy)GameScenes: One of your latest projects, Background (2013) is imbued with references to game aesthetics. In this animated video piece, your 16-bit representation converses with another character (Blandy Senior, John) while walking through scenarios that have a distinct gaming style (rainforest, abandoned citiscapes, snow-covered temples etc.). This work is both intimate and heavily mediated - are you suggesting that intimacy is possible only through the filters of popular culture - gaming/comics etc? Are games, comics, and cartoons the filter through which we make sense of reality?
David Blandy: My point is not that intimacy is only possible through the mediation of media, but that it is possible to have intimate, sometimes profound moments within our interaction with popular culture. We inhabit these spaces, the pixelated vistas of fighting games, the highly saturated environments of pop videos, on an everyday level, but what do these spaces mean to us, how much do they define our sense of self, our sense of who we want to be? One of my starting points is always "where do I get my ideas for how to live my life, how to be, if I don't read books, don't have formal belief system?" And I think our personal philosophies come from a huge range of things, from interactions with our family, our friends but also the people we watch, whether that's in the schoolyard, the office, on film or in a game. Having said that, the only way I could have had that particular conversation with my father was through making a piece of work, by engaging in an artistic process with him. So in this case fighting games changed our relationship.[Note: Background will be on display at the Aspex Gallery in Portsmouth, England between July 20 and August 25, 2013]David Blandy, Background, 2013GameScenes: What do you find particularly appealing about video games? Is there a specific genre, series, or style that inspires you? What are your gaming epiphanies?
David Blandy: Video games. I guess it's a search for completion. If I just get my Dark Knight to level 99, if I finish this stage, if I master this combo I will feel fulfilled. But that satisfaction is only, at best, temporary. I could really do with having a whole team of level 99 Dark Knights, I need a separate combo for throw tech option selects... It's life, but with tangible achievements, achievements marked with a victory screen, or a gold star. Life with a closed rule set. Seeing Street Fighter II being played by experts in a French arcade, aged 15, was my first epiphany. Seeing special moves for the first time, a hidden world suddenly revealed. After that was a strange day with Final Fantasy VII, bed-ridden with the flu, when Aeris died in front of me, and I found myself crying my eyes out. It was then that I finally understood the potential of games, that they were, or at least could be, truly art.LINK: David BlandyText & Editing: Matteo Bittanti
All images and videos courtesy of the artist
Archive: Interviews I, Interviews II
- May 09, 13
A video of Marcel Conrado's interactive installation for Monstros, an exhibition that took place between Oct 12- Jan 13 2013 at the MUMA (Museu Metropolitano de Arte de Curitiba) of Portão, Curitiba - Brazil.
LINK: Marciel Conrado
Submitted by Matteo Bittanti
- May 12, 13
I tragically missed the UCLA Game Arts Festival 2013 this year, but the mighty Jonathan B. at Things to Do in LA has unleashed one of his killer reports. The first episode can be found here. The second is here. Can't wait to read more. Sneak preview:
"Packed with mini-games and set in an art gallery you could try out multiple creative titles as a LA Hipster, college student or someone who reads this site and decided to visit. The idea of UCLA Game Arts Festival 2013 is simple: college students and indie devs make games and you try them out with added stories about the different people who made them. There were some extras like some machinima to watch or a rock concert to listen too, something to get you in the mood to enjoy the art of play. This is the third game in the series with a totally new team behind the mini-games , but a lot of the old staff working from the previous years behind the scenes to keep the same format." (Jonathan B., TTDILA)
LINK: UCLA Game Arts Festival
Submitted by Matteo Bittanti
- May 09, 13
A 25-minute video of Marco Mendeni's live piece that took place in Berlin on January 29, 2013. "I’m not playing" is an audiovisual performance the investigates the relationship between the videogame medium and the culture of simulation in the digital era. As Mendeni writes,
"Through the years, videogames have influenced our perception of space/time and our concept of identity, and we have now reached a point where real and virtual worlds are merging their borders. In this process, the videogame as a container of ideological power cannot be underestimated. I’m not playing addresses all this through a war videogame played every day by millions of people: COD4." (Marco Mendeni)
LINK: Marco Mendeni
related: Interview
Submitted by Matteo Bittanti
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- May 04, 13Di seguito, potete leggere l'introduzione di Henry Lowood a Machinima! Teorie, pratiche, dialoghi appena pubblicato nella collana Ludologica.Henry Lowood“Un differente approccio tecnico”?“Il cinema attuale, commerciale e il cinema come pratica artistica non hanno nulla in comune con il nostro lavoro. anche a livello tecnico, ci sovrapponiamo solo parzialmente con il cosiddetto cinema artistico dato che gli obiettivi che ci siamo prefissati richiedono un differente approccio tecnico. Non abbiamo assolutamente bisogno di colossali studi o di enormi set, così come non abbiamo bisogno di ‘grandi’ registi, ‘grandi’ attori e ‘incredibili’ donne fotogeniche” (Dziga Vertov, 2002 [1926]: 38, enfasi aggiunta)La storia dei media audiovisivi è contrassegnata da posizioni e dichiarazioni forti, talvolta controverse. Il presente, passato e futuro dell’immagine mediata sono scanditi dalle rivoluzioni tecnologiche, a livello di produzione, distribuzione e consumo. i manifesti del movimento del cineocchio di Dziga Vertov, per esempio, non presentano solo delle “visioni” teoriche di un nuovo cinema, ma forniscono anche “istruzioni” pratiche per realizzarlo. Nello specifico, Vertovsuggerisce “un diverso approccio tecnico” che si fonda su una radicale rivalutazione della tecnologia necessaria per fare cinema.L’obiettivo di questo libro è assai più modesto. Non ci proponiamo tanto di ridefinire il significato, funzione e obiettivi del cinema, quanto di ripensare in senso critico una delle sue più recenti manifestazioni, il machinima. Parimenti, non è nostro compito proclamare ;il successo o fallimento di questo strumento. Semmai, ci proponiamo di dare spazio a voci differenti – quelle di accademici, artisti, professionisti del mezzo – per fare luce su un fenomeno spesso frainteso.Questa incomprensione non deve sorprendere, considerando che il machinima è un oggetto complesso, fluido, articolato. Il termine indica tanto una pratica quanto un artefatto culturale: è il processo di creazione di un film di animazione in tempo reale attraverso l’uso di una tecnologia videoludica ma anche il prodotto di tali sforzi.
Opera derivata e tuttavia imprevista, ossia non pianificata a monte, del videogame, il machinima ha introdotto un nuovo modo di fare animazione. È un medium relativamente giovane, con poco più di quindici anni di storia alle spalle. Una storia di innovazioni tecnologiche inaspettate, di alterazioni e alterchi, interventi e performance, hacking e modding. Ma quella del machinima non è una storia esclusivamente tecnica. È, semmai, la storia di un nuovo modo di raccontare storie. È, semmai, la storia di nuove modalità spettatoriali. È, semmai, la storia di nuove interazioni sociali in spazi virtuali. in altre parole, la storia del machinima è un insieme di storie.
Con questo lavoro, non ci proponiamo di offrire ai lettori delle semplici “visioni”, ma anche una serie di strumenti per navigare il mare magnum del machinima. anziché proporre una versione dogmatica e definitiva della Storia del machinima, abbiamo preferito lasciare ai lettori l’onere – e il piacere – di utilizzare questi contributi per costruirsi la propria storia personale, scegliendo la prospettiva che preferiscono.;Le origini di questo progetto editoriale affondano le radici nella primavera del 2009. In quella occasione, il gruppo di ricerca videoludica della Stanford University How They Got Game che include, oltre al sottoscritto, anche Susan Rojo e Matteo Bittanti, ha organizzato la conferenza “Play Machinima Law”. Durante quell’evento, Raiford Guns, direttore del journal of Visual Culture, ha proposto un numero speciale dedicato al machinima. Abbiamo accolto con piacere l’invito, ma anziché limitarci a pubblicare gli atti della conferenza, abbiamo sollecitato i partecipanti a sottoporre un contributo ad hoc, prendendo spunto da una serie di questioni sollevate prima, durante e dopo la conferenza. L’evento era stato organizzato in collaborazione con il dipartimento di Legge di Stanford, che ha svolto un lavoro corposo per aggiornare la legislazione creata in un contesto pre-digitale al mondo del Web 2.0. In questo senso, i contributi di Lawrence Lessig, che allora insegnava presso l’ateneo californiano, hanno offerto spunti interessanti per esaminare la natura ibrida del machinima, specie in relazione al diritto d’autore.Il tema portante di questo libro è la diversità. Non volevamo pubblicare l’ennesimo contributo accademico sul tema del machinima, ma nemmeno dare spazio solo ai registi e ai performer. a nostro avviso, la conoscenza nasce solo nel momento in cui contesti differenti – arte e mercato, accademia e vernacolare – entrano in contatto e danno avvio a un dialogo fecondo. Per questo motivo, il volume che state leggendo presenta un’eterogeneità di prospettive, stili, linguaggi e approcci. Alcuni contributi sono personali, altri più oggettivi. Alcuni più lunghi, altri brevi. A nostro avviso, ciascun frammento contribuisce illustrare differenti aspetti di un medium che sfugge a ogni classificazione. Il machinima è un’espressione della visual culture che attraversa differenti regimi scopici e che si rivolge a pubblici differenti.Sarebbe stato facile sintetizzare i contributi e presentare un sunto “dall’alto”, organizzato sulla base delle prerogative e priorità dei curatori. Così facendo, avremmo commesso un atto di pigrizia concettuale, imponendo una cornice rigorosa e stringente a un fenomeno sorprendentemente ricco, diversificato e restio a farsi ingabbiare dal giogo teorico. Allo stesso tempo, la struttura del volume ricorda l’architettura degli sparatutto in soggettiva. nonostante l’apparente semplicità degli ambienti virtuali, le “mappe” di un FPS offrono recessi, spazi meandrici, passaggi segreti e differenti punti di ingresso e di uscita.Machinima! si articola in tre sezioni. il primo, TEORIE, inquadra il fenomeno sul piano concettuale, storico e legislativo. Questa sezione è dedicata ai testi e ai contesti (produttivi, distributivi, ma anche giuridici e commerciali). i “giocatori” sono, essenzialmente, accademici. La seconda parte, PRATICHE, presenta una serie di saggi di autori di machinima che negli ultimi quindici anni hanno contribuito a definire le estetiche del medium. Dunque registi, artisti, producer e performer. nella terza e ultima sezione, DIALOGHI, accademici ed artisti danno vita a un confronto, a uno scambio di idee, a una serie di conversazioni, insomma a quello che in gergo videoludico definiremmo un doppio.Ringrazio Susan Rojo per aver organizzato i lavori e gestito la raccolta del materiale. Matteo Bittanti ha curato l’editing della versione in lingua inglese e ha tradotto tutti i saggi in lingua italiana, aggiungendo alcuni contributi extra.
Al pari dell’oggetto di studio, anche questo progetto è stato fortemente partecipativo. La nostra ambizione non era quella di proporre un “differente approccio” al tema. Volevamo piuttosto fornire una serie di approcci – tecnico, sociale, culturale, estetico, giuridico – al machinima.Buona lettura,Henry LowoodHenry Lowood. Curatore delle collezioni di storia della scienza, tecnologia, film e media della Stanford University, Henry Lowood ha fondato nel 2000 l'innovativo gruppo di ricerca How They Got Game: The History and Culture of Interactive Simulations and Videogames.Dal 2008 dirige il progetto di preservazione dei media digitali finanziato dalla Library of Congress, "Preserving Virtual Worlds". Lowood è il curatore del Machinima Archive per il sitoarchive.orge ha organizzato numerose esibizioni sull'arte e la tecnica dei videogame. Tra le sue ultime pubblicazioni spicca The Machinima Reader(MIT Press, 2011, insieme a Michael Nitsche). Vive a San Bruno, California. - May 02, 13
Video game education. Qualche idea per insegnanti ed educatori con Massimiliano Andreoletti, Anna Ragosta e Damiano Felini
Insegnare ai ragazzi qualcosa sui videogiochi? Sì, se il qualcosa è la riflessione sulla loro esperienza, il pensiero critico, la comprensione delle logiche produttive; e molto altro!
Lo scopo del webinar è quello di suggerire spunti e metodologie per fare video game education nei contesti scolastici ed extrascolastici, con ragazzi e genitori. Useremo i video promozionali dei giochi su YouTube, i giochini sui nostri cellulari e qualche adver-game per ragionare insieme su come analizzare e come produrre questi oggetti culturali che veicolano idee, stereotipi, mentalità, forme di socialità tra pari.
I conduttori del webinar hanno fatto molteplici esperienze in questo ambito e sono tra gli autori di uno dei primi testi su questo argomento (Video game education, Unicopli, Milano 2012).
Sono da anni membri attivi del MED, dove curano laboratori e seminari – oltre che sui videogiochi – anche sulla progettazione e sui curricoli di media education.
All’interno della tematica proposta per la prossima Summer School del MED, Media ed inclusione sociale, i conduttori hanno partecipato al progetto europeo dal titoloGamePaddle, realizzando un progetto con i videogiochi. Il webinar sarà un’ottima occasione per riflettere sulle opportunità offerte dai videogiochi per progettare interventi a scuola e sul territorio.
Un’ottima occasione per acquisire spunti di lavoro e proposte operative direttamente spendibili con gli studenti.
Accedi dalle 20:45 attraverso questo link
Per partecipare, clicca sul link, è sufficiente selezionare "Entra come ospite" e inserire il tuo nome:
Puoi accedere al webinar con un qualsiasi browser in cui è installato Adobe Flash (controlla adesso la corretta installazione) oppure con un device mobile: Apple - Android
- May 15, 13
Titolo: Machinima! Teorie. Pratiche. Dialoghi.
Autori: Matteo Bittanti, Henry Lowood (A cura di).
Editore: Edizioni Unicopli
Collana: Ludologica. Game Theory
Numero: 21
Pagine: 288
Data di Pubblicazione: 18 Aprile 2013
Prezzo: 19 Euro
Descrizione
Machinima! Teorie. Pratiche. Dialoghi esamina uno dei fenomeni di ibridazione mediale più interessanti degli ultimi vent’anni. Contrazione di machine e animation, il machinima si colloca all’intersezione tra videogioco e cinema, animazione elettronica e performance in tempo reale nei mondi virtuali. Opera derivata ma inaspettata, il machinima ha introdotto una nuova estetica, ma soprattutto, un nuovo modo di giocare con l’immagine. La sua storia è contraddistinta da innovazioni e imprevisti, alterazioni e alterchi, hacking e modding.
Il volume si articola in tre sezioni. La prima, TEORIE, inquadra il fenomeno sul piano concettuale, storico e legislativo, illuminando testi e contesti produttivi, distributivi, giuridici e commerciali. La seconda, PRATICHE, presenta i contributi di artisti e registi, producer e performer che hanno definito la natura del medium. Infine, DIALOGHI propone conversazioni su temi che spaziano dall’arte al mercato, dal disimpegno ludico all’attivismo politico. Il carattere interdisciplinare e l’eterogeneità degli approcci rendono Machinima! uno strumento ideale per comprendere le trasformazioni dei media e dell’arte contemporanea nell’era digitale.
Con contributi di Matteo Bittanti, Matteo Bonvicino, Alessandro Cavaleri, Marque Cornblatt, Frank R. Dellario, Joshua Diltz, Jun Faklenstein, Douglas Gayeton, Friedrich Kirschner, Kate Fosk, Kari Kraus, Mathias Jansson, Robert Jones, Clint Hackleman, Hugh Hancock, Tracy Harwood, Paul Marino, Mizuko Ito, Henry Lowood, Mark Methenitis, Michael Nitsche, Paolo Pedercini, Ilaria Ravarino, Dan O'Reilly Rowe, Valerio Sillari, Eddo Stern.
I curatori
Matteo Bittanti. Senior Adjunct Professor nei programmi di Visual Studies e Visual & Critical Studies del California College of the Arts di San Francisco & Oakland, California, Matteo Bittanti insegna corsi sull’arte contemporanea, visual culture, media studies e digital games. La sua pratica artistica esplora le interazioni tra simulazione e rappresentazione, videogiochi e rete. I suoi lavori sono stati presentati in musei e gallerie d'arte negli Stati Uniti, Canada, Gran Bretagna, Scozia e Italia. Bittanti vive a San Francisco.
Henry Lowood. Curatore delle collezioni di storia della scienza, tecnologia, film e media della Stanford University, Henry Lowood ha fondato nel 2000 l'innovativo gruppo di ricerca How They Got Game: The History and Culture of Interactive Simulations and Videogames. Dal 2008 dirige il progetto di preservazione dei media digitali finanziato dalla Library of Congress, "Preserving Virtual Worlds". Lowood è il curatore del Machinima Archive per il sito archive.org e ha organizzato numerose esibizioni sull'arte e la tecnica dei videogame. Tra le sue ultime pubblicazioni spicca The Machinima Reader (MIT Press, 2011, insieme a Michael Nitsche). Vive a San Bruno, California.
Notizie collegate
Rassegna stampa
Ibridazione mediale. Machinima! Libro del giorno @ BIBLIOTECH (Flavio Fabbri, Key4Biz 15 maggio 2013)
Trailer
Articoli collegati
Articolo: Chris Marker e il machinima (08/08/2012)
Saggio: Il machinima tra evoluzione e rivoluzione (07/12/2012)
Articolo: La Game Art di Eddo Stern (11/27/2012)
- Apr 22, 13Matteo Bittanti & Henry Lowood presentano Machinima! Teorie. Pratiche. Conversazioni.Il ventunesimo volume della collana Ludologica in libreria da fine aprile.
- Mar 26, 13
- Mar 20, 13
Armando Aldogiso recensisce il nuovo libro di Luca De Santis nella sezione Cosmotaxi del suo seguitissimo sito. Ecco un estratto:
"Editor e studioso di morfologia della narrazione, struttura della sceneggiatura e sviluppo del personaggio, de Santis unisce il suo lavoro con la passione per i videogiochi, fondando Geekqueer la prima comunità italiana di videogiocatori lgbt (acronimo di lesbian, gay, bixesual, transessual). Sessismo e omofobia li ritroviamo in molti videogiochi, anche se progressivamente hanno trovato spazio anche games per gay. L’analisi di de Santis condensata in questo volume ha richiesto circa due anni di lavoro, visionando quasi 8000 giochi coin-up e su console, giocando ai videogames in cui la presenza gay fosse rilevante. Dalle pagine apprendiamo, ad esempio, che il gioco preferito dalla comunità lgbt è “World of Warcraft”, seguito da “Final Fantasy XI” e “City of heroes” e inoltre che la stessa comunità ritiene che il 52% dei videogiocatori eterosessuali sia ‘ostile’ (il 14% ‘molto ostile’) nei loro confronti. Tale ostilità si manifesta attraverso un linguaggio offensivo e una rappresentazione di stereotipi degradanti. Al 42% dei gaymer è capitato di aver vissuto esperienze omofobe in rete spesso o frequentemente." (Armando Aldogiso)
Le recensione completa è disponibile qui.
- Mar 26, 13
"Ancora guai per il nuovo/vecchio SimCity. A due settimane di distanza dal tormentato lancio sul mercato - un disastro tecnico e logistico che è rapidamente degenerato in un passo falso sul piano delle pubbliche relazioni - un passo falso di epiche proporzioni - Electronic Arts è ancora al centro delle polemiche per aver deliberatamente censurato il forum ufficiale di SimCity, rimuovendo tutti gli interventi dei fans che criticano la politica dell'azienda e offrono informazioni su come eliminare il fastidioso meccanismo di protezione DRM (Digital Rights Management) che impone un collegamento a internet persistente (collegamento che stando alle dichiarazioni di un insider di Maxis al sito Rock Paper Shotgun è tutt'altro che necessario per il corretto funzionamento del gioco).
Erik Reynolds, direttore del reparto Comunicazione del publisher californiano, ha candidamente confermato che tutti i messaggi degli utenti relativi alla rimozione dell'hack che "libera" SimCity dal gioco dell'online sono stati rimossi perché violerebbero l'EULA e i termini di utilizzo del servizio. L'articolo, pubblicato da CVG, ha prevedibilmente mandato su tutte le furie i giocatori, che hanno annunciato ritorsioni. Era stato UKAzzer a postare per primo il 13 marzo scorso su YouTube la scoperta dell'hack. Il video è ancora disponibile, ma immaginiamo per poco. Il suo messaggio originale, censurato da EA, è accessibile qui.
Non solo. I fans stanno modificando il codice per supplire alle molteplici deficienze dell'originale. Nuovi hack offrono città di maggiori dimensioni, autostrade espanse e sistemi di gestione della popolazionepiù efficienti. Detto altrimenti, i giocatori stanno aggiustando SimCity al posto di Electronic Arts - la quale, tuttavia, non ha accolto l'iniziativa con particolare entusiasmo. Questo episodio attesta, ancora una volta, la crescente autonomia della classe ludica rispetto ai produttori - sempre più spesso, i fans si appropriano degli strumenti di produzione per ridefinire le regole del gioco, dando vita a una relazione apertamente antagonistica con le software house. Esempi recenti includonoGrand Theft Auto e Just Cause 2. Prevediamo che il fenomeno acquisterà sempre maggiore importanza nei prossimi anni, soprattutto se anche i produttori di console - Sony, Microsoft e Nintendo - decideranno di adottare meccanismi DRM sulle nuove piattaforme." (Matteo Bittanti, WIRED)
- Mar 26, 13
"L'introduzione sul mercato di SimCity, il reboot del classico di Will Wright, è stata caratterizzata da una serie di errori madornali, sul piano logistico e concettuale. Al punto che il lancio dell'attesa simulazione urbana passerà alla storia come una delle più colossali debacle videoludiche degli anni dieci del ventunesimo secolo.
Il giudizio categorico di C/net
SimCity è stato introdotto negli Stati Uniti il 5 marzo 2013. A differenza dei precedenti episodi - l'ultimo risale al 1994 -, il collegamento permanente a internet è indispensabile. Perché? Presto detto: lo richiede il sistema di protezione di EA, un altro esempio frustrante di DRM (Digital Rights Management), un meccanismo che, da oltre una decade si è dimostrato non solo inefficiente, ma contro-producente e contribuito a relegare il gaming per PC a una nicchia del mercato. Un problema non da poco considerando che il nuovo SimCity è stato appositamente concepito per una fruizione online e multiplayer. Questa scelta di design presupponeva un'infrastruttura potente e versatile. EA non è stata in grado di assicurare un servizio adeguato. Il risultato è che per decine di migliaia di giocatori, l'esperienza online si è dimostrata così frustrante - tempi di attesa irrealistici, rallentamenti, impossibilità di accedere al gioco tout court - da compromettere un'adeguata fruizione. Nel momento in cui il server remoto è la conditio sine qua non per giocare, il produttore/distributore deve garantire un sistema di accesso e gestione dati quantomeno efficiente. Nel caso di SimCity, questo non si è minimamente verificato, per ammissione della stessa Electronic Arts.
Fans inferociti hanno manifestato espressamente il loro disappunto sulla pagine di Amazon US che, in questo senso, sono molto più attendibili delle recensioni "ufficiali" - il caso esemplare è Polygon, che ha iniziamente assegnato un punteggio di 9.5 su 10 al gioco, per poi ribassarlo a 8 e ridurlo infine a 4. Alla faccia della coerenza.
La pagina di Amazon US. Cliccarci sopra per ingrandirla.Le conseguenze sono state drammatiche per SimCity. Amazon ha temporaneamente interrotto le vendite della versione download, salvo poi riprenderle dietro garanzia di EA che i problemi sarebbero stati risolti rapidamente. Stando a Polygon, Electronic Arts ha de facto messo in stand-by la promozione del gioco sui siti delle terze parti per limitare i danni di'immagine. Negli ultimi tre giorni ha distribuito una serie di patch per ovviare ai problemi più gravi, eliminando alcune opzioni di gioco - tra cui la modalità cheetah (massima velocità di simulazione), leaderboards, filtri regionali e achievement, il che ha mandato su tutte le furie i giocatori. Il fatto che a tre giorni dal lancio EA abbia disabilitato un numero consistente di opzioni rappresenta un brutto segnale. In breve, le aspettative sono andate deluse: SimCity resta un ricordo.
Insomma, definire il lancio di SimCity, il titolo per PC e Mac più importante dell'anno, come un faux pas è un eufemismo. I veri problemi, tuttavia, non sono di natura logistica, ma concettuale. Come ho scritto altrove, questa "nuova" versione non è che l'ennesima variante di un modello di gioco ideologicamente problematico - come avevano evidenziato, tra gli altri, Ted Friedman e Paul Starr una decade fa -, nonchè stantio sul piano del gameplay. Al di là dei (prevedibili) miglioramenti cosmetici - aspetti che EA ha ogni interesse ad enfatizzare e che la stampa specializzata/generalista pedissequamente celebra verbatim - il nuovo/vecchio SimCity è veramente deludente. Come aveva perfettamente colto Norman Chan su Tested, SimCity promuove l'ideologia suburbana che ha messo in ginocchio l'America. James Sinclair su Stop and Move lo ha definito un passo indietro di oltre mezzo secolo sul fronte dell'urbanistica. Celebrazione interattiva dell'automobile e del cul-de-sac, il nuovo-vecchio SimCity rappresenta l'antitesi della filosofia delle "smart city" che va tanto di moda nei TED Talk. Verdetto: game over." (Matteo Bittanti, WIRED)
- Mar 26, 13
BUFFERING..."Attenzione! ATTENZIONE! PlayStation 4 non è due PlayStation Vita incollate con lo scotch, come sostenevano tizi ben informati ai bordi dell'autostrada dell'informazione, altrimenti nota come internet. Si tratta, molto più semplicemente, di un PC senza tastiera. Infatti, la nuova console dispone di una tecnologia analoga a quella di personal computer di fascia media-alta attualmente in commercio - saggia decisione considerando che Sony sta ancora scontando i danni (economici, in primis) causati da scelte tecniche avventate, esempio il processore Cell cuore acciaio di PS3, che ha costretto Ken Kutaragi a dedicarsi anzitempo alla pesca alla trota. Allo stesso tempo, gli ingenui che speravano di intravedere il futuro del divertimento elettronico durante la presentazione ufficiale di PS3, pardon, PS4, sono rimasti confusi. Delusi. Gattusi. E no, l'epidemia di miopia non c'entra: Sony non ha nemmeno mostrato la console. E' un McGuffin. Per dirla con Lacan/Zizek, PlayStation 4 è l'object petit a. C'è ma non si vede.
Per mezzo di animazioni involontariamente comiche, preoccupanti neologismi e formule roboanti, il presidente di Sony Computer Entertainment, Andrew House ha celebrato l'arrivo imminente (= inverno duemilatredici) della nuova console convocando sul palco un esercito di producer, sviluppatori e partner criminosi. Quasi un party, ma senza birra o briciole di divertimento. Notiamo, en passant, che tuti gli speaker invitati a dire qualcosa sul futuro del divertimento elettronico sono MASCHI, BIANCHI e per lo più OCCIDENTALI (ci sono voluti ben ottantotto minuti di questa interminabile e oggettivamente noiosa presentazione prima di scorgere un designer nipponico, Yoshinori Ono, in evidente stato di confusione mentale, il che la dice lunga sullo stato del gaming giapponese - gli ottantotto minuti intendo, non lo stato di confusione mentale di Ono). Gli eletti? Americani e inglesi, qualche sparuto europeo. Sony ha avuto la faccia tosta di non invitare nessuna donna a parlare. Sul serio. NEMMENO UNA. SENZA UNA DONNA. No more pain and no sorrow. Hai presente quelli che sostengono che l'industria del videogame è immatura, maschilista e misogina? Ecco, difficile dargli torto. Questo capolavoro di marketing polverizza qualsiasi correlazione tra il divertimento interattivo e il sesso femminile. Non esistono donne in PLAYSTATION NATION. Non sono ancora state simulate. ACHIEVEMENT UNLOCKED: you are a misogynist prick!" (Matteo Bittanti, WIRED, 21 Febbraio 2013)
- Feb 21, 13Videogaymes. Omosessualità nei videogiochi tra rappresentazione e simulazione
C.I.G. Centro Di Iniziativa Gay Arcigay Via Bezzecca, 3 - Milano, 9 PM, Evento gratuito
"Ai più attenti non sarà sfuggito che Cloud, imperituro eroe di "Final Fantasy VII", amasse compiacere Don Corneo con parrucche e prolungate sedute in saune maschili. A qualcun altro sarà venuto il dubbio che quegli "orsi polari" tanto amati da Zangief, il bruto lottatore russo tutto muscoli, costumino succinto e pelo sul petto di "Street Fighter II", forse non fossero un'allusione zoofila. Per non dire dei machi sudati di "Double Dragon", o di "Birdo", il drago boss di "Super Mario 2" col vezzo del travestitismo. Anzi, come spiegava il libretto diffuso col titolo Nintendo, proprio convinto di essere femmina in un corpo maschio. Più o meno esplicita, la cultura lgbt accompagna la storia dei videogame da decenni e senza necessariamente ricorrere a esempi pornografici - i curiosi diano un'occhiata a "Stroker" o "Sodoma". Lo sottolinea Luca De Santis in "Videogaymes", il primo libro italiano dedicato a una retrospettiva tematica (e rappresentativa) della cultura omoerotica nella storia del videogioco, dal 1975 al 2009. Un'occasione unica per espandere i game studies in Italia, oggi circoscritti a impettiti approcci semiotici. E per guardare Pac-Man con occhi finalmente nuovi." (Emilio Cozzi, ZERO)
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Info
- Summary
I am a Senior Adjunct Professor in the Visual Studies and in the Visual & Critical Studies programs at California College of the Arts in San Francisco and Oakland.
My artistic practice lies at the intersection of videogames, toys, cinema, and the web. My work can be seen at mattscape.org and colleo.org.
I write and research about contemporary art, technology, cinema, digital games, and popular culture.
My projects include GameScenes, Ludologica, and eventually.
I have translated several books, essays and articles from English to Italian. I had the pleasure of translating works by J.G. Ballard, David Bordwell, Neil Gaiman, Paul Krugman, Richard Grusin, Norman M. Klein, Steven B. Johnson, Dave Myers, Bernard Perron, Jeffrrey Schnapp, and Slavoj Zizek among others.
I currently live in San Francisco, California.
Experience- Apr 2013 - PresentTranslator / Mondadori
- Aug 2010 - PresentSenior Adjunct Professor / California College of the Arts
- Jan 2009 - PresentEditor-in-Chief / GameScenes
- Jan 2007 - PresentWriter / Mediaset_Link.Idee per la televisione
- Jun 2004 - PresentConsultant, e-commerce site / Internet Bookshop Italia
- Jan 2002 - PresentCo-Editor (with Gianni Canova) / Ludologica
- Jun 2005 - May 2013Contributor / Rolling Stone magazine
- Sept 2008 - Apr 2013WIRED contributor (print and online) / Conde Nast
- Sept 2012 - Mar 2013Contributor / PLAYERS magazine
- Feb 2011 - Feb 2012Contributor, Saturno / Il Fatto Quotidiano
- Jan 2002 - Jan 2012Editor, Contributor / Duellanti
- 2007 - 2010Adjunct Professor / California College of the Arts
- Sept 2005 - Sept 2010Research Associate, Stanford Humanities Lab / Stanford University
- Jun 2008 - Aug 2010Curator / The Tech Museum of Innovation
- Jan 2002 - Sept 2009Contributor & Columnist / PC Gamer Italy (Giochi per il Mio Computer)
- Jan 2002 - May 2009Writer for EDGE magazine and PC Gamer / Future Publishing
- Sept 2008 - Jan 2009Consultant/Speaker / Current TV
- Jun 2006 - May 2008PostDoctoral Researcher / UC Berkeley, Digital Youth Project
- 2003 - 2006PhD in New Technologies of Communication / IULM, Milan
- 2002 - 2004Consultant / Future Film Festival
Education-
2005 - 2007Stanford UniversityPost Doc. in New Media Studies/Digital Humanities
Activities: Activities and societies: Stanford Humanities Lab, How They Got Game Problem, Life to the Second Power, Critical Media Studies -
2004 - 2006Libera Università di Lingue e Comunicazione IULMPhD in New Media
-
1999 - 2001San José UniversityM.S. in Mass Communication in New Media, Media Studies
Additional Information-
Websites:
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Interests:Media, Art, Technology, Gaming, Play, Film, Popular culture, Philosophy, Personal tracking
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Photos
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Nervi (July 2011)
